一、确定自己有没有绘画天赋人与人的才能指向不同，有人具备数学或语言的才能、有人具备绘画才能等。建议你先找一个不教高考的资深油画家，带上你的素描和水粉作品向他咨询一下你是否具备绘画天赋。如不具备乘早打消考美术，否则白费功夫，充其量也就考个三本。二、找一个真才实学的老师美考老师首先要有很扎实的素描功夫，他自己连个人头都画不好画不像他拿什么教你。建议你先让他给你画个写生头像，你是花钱要学的，完全有理由先考考他，是骡子是马先拉出来溜溜。必要时拿他给你画的再找不教高考的资深油画家让他评议。其次是美考老师要有很好的色彩基础。三、不要看表面现象近几年都看好了教高考美术这碗饭，是个画画的都想开班。于是有的吹嘘自己是某名美术学院毕业的、有雄厚的专业教师队伍、历年为各大美术学院培养了大批人才、考不上全额退学费云云。的确有些高考班每年有若干学生考入美术学院，但你要想想他共有50个学生，考入了3个应该是百分之几。还有些家长盲目相信北京的高考班，花了几万甚至十几万，岂不知那些地方黑着呐，结果也就考到宁大或固原师范。我就有几个这样的学生，搞得我很郁闷。四、要用功各大美术学院录取比例大约是15比1，也就是说一万五千个录取一千个，美院每年也就招一千来个学生。你的作品必须达到娴熟才行，有的考生几乎达到了美院老师的水平。素描和色彩有一个认识、熟练再到认识的过程，根据我的经验，这个过程你起码素描画够200张、色彩200张、速写1000张才有把握考上。五、不要画虎皮俗话说画虎难画骨，古人不注重虎的结构，画的虎总是一张虎皮，松松垮垮的，骨也指虎的神韵。现在好多美考班主要让学生大量临摹，靠死记硬背，结果是学生作品统统都是公式化的，毫无生气，在考试中很难脱颖而出。人物素描首先要从各方面深入理解人的结构，然后是光影、质感、神韵、整体、艺术性等，这些因素你不去理解只是一味的模仿不是好作品，你的结构画不好五官画的再细致，人家美院给你的评价是画的没脸了。通常学生普遍爱把注意力放在五官的刻画上，这就弄反了。色彩应首先学习色彩关系，人家评卷首先看你的色彩关系对不对而不是形准不准，色彩关系对了你的画自然就漂亮了。静物的形很简单。速写也首先是掌握人体结构，其次才是线条、虚实、疏密、节奏等，否则你画的就是铁丝框框。往往有这种情况、一到动态速写学生都傻眼了，这主要是人体结构不扎实。速写还要多画，要画够1000张以上，熟能生巧，你的速写画的巧了才能拿高分。六、不要投机取巧很多考生喜欢打听某某美院喜欢什么风格的作品，然后投其所好去学画，其实没有这个必要。虽然不同的美院、不同的教授会有不同的偏好，但他们对素描、色彩、速写中所存在的各个因素的要求是一致的，因为这些诸因素是他们曾经严格学习过的，也是他们现在在教学中和创作中常去实践应用的，不可能反常规去评你的卷子。同时国家对高考的素描、色彩、速写的要求应该是有统一规定的，毕竟高考是严肃的。还有，不论是写生头像和默写头像、色彩中不论是摆白菜辣椒还是摆苹果香蕉，它们要表现的绘画因素是一致的、是一个统一的整体，万变不离其宗，你的素描和色彩基本功扎实，自然就能应对自如。七、激情艺术作品首先要有感染力。比如考舞蹈的考生各项动作都很规范、但她的表演就是缺那么点灵气，主考官肯定不会给他打高分的。一开始学画你就要有热情才行，兴趣是你学画最好的动力，钻研是到达兴趣的桥梁，要钻研。你的绘画技术好了，你还要对模特有感受，农民的憨厚、学生的单纯、老人脸上的故事、穷人的憔悴、美女的一颦一笑**的灿烂、紫色的高贵、绿色的舒畅你的作品带进了你的感受、带进了你的激情，那你的考卷就是很优秀的，纵使有一点技术上的缺陷也无大碍。某人临摹的名人书画作品，可以以假乱真了，那么可以说他的艺术水平很高吗？莫斯科国立美院，创立于1939年，1948年以苏里科夫命名，目前学院分为绘画、雕塑、艺术理论和历史系，汇集了表现艺术大师、俄罗斯艺术研究院的院士，俄罗斯功勋美术家进行教学。每班学生人数控制在5-7人，学习方式包括工作室、教室、博物馆实际操作、授课、讲习班和课堂讨论，学习临摹和绘画创作，教师辅导与学生独立工作，实验室工作、年级设计和毕业创作。学生通过考试验测自己的知识掌握情况。俄罗斯的艺术声望在全球获得广泛认可，其美术教育体制由俄罗斯美术科学院领导制定，培养出了许多世界知名的美术家。学院为有天赋的毕业生提供奖学金，以便他们出国深造，吸取世界艺术精华。这所大学已成为俄罗斯美术教育的国际知名学府，具有国家教育许可证，有权进行大学教育活动和进修教育。毕业生获得美术专业的专家或艺术理论方面的专家毕业证。教学和科学研究中最重要的任务是培养遵守本国和外国艺术传统的毕业生，教学结合实际创作，培养学生的艺术道德和精神价值，促进发展创作个性。学院还开展美术研究工作、出版科学书籍、教科书等。美术学院学制为五年或六年，教学内容基于教育计划和科目确定，由学院教育科学理事会批准。教授指导和学生个人工作室为主，教授大部分为知名美术家，是美术科学院的院士或通讯院士。学生班级是学习的主要单位，每班5-7人。学习方式包括工作室、教室、博物馆实际操作、授课、讲习班和课堂讨论，学习临摹和绘画创作，教师辅导与学生独立工作，实验室工作、年级设计和毕业创作。学习时间安排为一个学年两个学期，每个学期14-15周，外出写生7-10周。寒、暑假各放假7-10周，每学年两次考试。每节课45分钟，学生每天在学校学习9小时，其中6小时听课和实际练习，3小时独立自习。理论课由所有班级同学听大课，根据专业学习方向也有专门课程。学生通过考试测试自己的知识掌握情况。学校组织年级学生作品展览和学生写生作品展览，这些展览得到学校领导和教员重视。完成全部课程的学生，在教师指导下完成毕业作品，根据毕业作品成就决定是否获得毕业证。毕业证证明学生学习了哪些课程，学习了多少课时，获得哪些成就。如果学生的毕业作品得到5分，且在其全部学习期间75%的课程是5分，没有3分，他们将获得优秀毕业证。根据国家鉴定委员会和大学科学理事会的推荐，该生有资格获得国家美术科学院颁发的金奖和银奖。获得金奖和推荐的学生，可被俄罗斯国家政府推荐出国深造。扩展资料国立苏里科夫美院在表现艺术领域是当今世界上首屈一指的美术专业学院，位于俄罗斯首都莫斯科。隶属俄罗斯国家美术研究院。它继承了十九世纪二十世纪初俄罗斯人文美术文化传统。什么叫临摹？什么叫涂鸦？什么叫透视？我今年16岁无美术基础，现在想学习美术和搞专业！现在来得急吗？这个并不一定。在书画领域，凡是能被作为临摹对象的作品，都是名家精心创作出来的经典之作，在技法、构图、用笔、章法、气势、意境等层面，都是典范，通过临摹，学习者可以较快提升个人水平，增加学习艺术的乐趣和信心，对确立自己的个人风格也有较大帮助，这些是学习者乐意临摹名家名作的根本原因。如果某人临摹的书法作品和原作品很像，可以达到以假乱真的水平，只是证明了他的模仿能力非常的强，并不代表他有很高的艺术水平，评价艺术水平的高低，主要的标准还是要看这个人的创作水平。我们看古代的书法家，虽然他们嘴上说临帖一定要临像，什么“察之者尚精，拟之者贵似”，但是很多古代的大师，他们临摹的古人的作品也不是非常的像。就比如说赵孟頫临摹的王羲之的《圣教序》，你们看像吗？反正我觉得不是很像，但是他却能够称为一代大师，因为他的创作能力非常的强，即使是临摹的作品，也带着自己的感觉。还有一些书法家，比如王铎、米芾等等，他们临的王羲之的书法都有自己的味道，并不是一味地去模仿。现在很多书法专业的学生，他们的模仿能力非常的强，很多美院的学生甚至能够一比一的模仿古代的大师作品，甚至可以说能以假乱真了，但是创作和临帖严重脱节，自己却写不出作品来。临摹是一种能力，创作是另一种能力，最关键的是要把临摹学到的知识内化为己有，这才是高明的临摹，不是为了临摹而临摹。古代大师为什么临的都不像呢，原因很简单，他们是在写自己对于字帖的理解，并不是单纯的模仿，学习书法想要自由的创作，就要从单纯的模仿这个怪圈里走出来，要不永远也不会创作。当然并不否认有一些人既能够临得很像，又能够创作出优秀的艺术作品。我是学习艺术的，老师要我天天临摹好不好？按照原作仿制书法和绘画作品的过程。临，是照着原作写或画；摹，是用薄纸（绢）蒙在原作上面写或画。广义的临摹，所仿制的不一定是原作，也可能是碑、帖等。临摹的目的有：①学习技法，侧重临摹的过程。②为保存、修复、展览、出售而取得复制品，侧重临摹的结果。因此，临摹品有商品性质。它流传于世又产生了伪作和赝作等复杂问题。在世界各国，临摹一直是学习古典书法或绘画技法，借鉴和继承优秀传统的主要途径与手段。 临摹 学习前人书法的一种方法。置碑帖于一旁，仿照其笔画书写的称“临”；以薄纸蒙碑帖上，依其形迹而复写的称“摹”，或称“影书”。小学生习字，用描红本子，也属摹。《丹铅总录》引岳珂语称：“临摹两法本不同。摹帖如梓人作室，梁栌欀桷，虽具准绳，而缔创既成，气象自有工拙；临帖如双鹄并翔，青犬浮云，浩荡万里，各随所至而息。”南宋美夔《续书谱》称：“初学书不得不摹，亦以节度其手，易于成就。”又称：“临书易失古人位置，而多得古人笔意；摹书易得古人位置，而多失古人笔意。临书易进，摹书易忘，经意与不经意也。”临摹之外，尚有“钩”法，用油纸蒙碑帖或真迹上，以极细之笔画将油纸下字迹双钩下来，再用墨填满双钩内空处，称“钩填”。 怎样临摹 首先挑选一本自己比较喜爱的、点画比较工整的、结体比较匀称的字帖来临摹。如果是毛笔字帖的话，则应挑选字体小一点的字帖，这样可省去缩小的工夫。 其次，在习字时，要先摹后临、临摹结合。所谓摹，就是把字帖放在比较透明的习字纸下，用钢笔照着字帖上的字一点一画地“描红”。要求钢笔的笔迹不要越出毛笔字外，都写在字帖上字的点画中间。这样，久而久之，就容易学到字帖上字的结构。所谓临，就是把字帖放在习字纸旁；照着帖上的字依样画葫芦。要求点画写得象，有轻重节奏和粗细的变化。这样，久而久之，就容易学到字帖上字的笔意。由于临书比摹书难，因此要先摹后临，由于临和摹是两种相辅相成的学字手段，因此要临摹结合，循序渐进。 再者，临摹前要仔细读帖。对帖上的字，其点画怎样书写，结构怎样安排，章法怎样布置，都要仔细琢磨并从中找出规律，这样就容易写得有兴趣，也容易写得象，写得好。临摹时，不能贪多贪快，而应集中兵力打歼灭战，每天坚持一、二小时，反复地临摹几个字，这样才会有真正的收获。对难写的字，更要知难而上，多临摹，多比较。 此外，光临摹也还不够，还要会背、核、用。背，就是不看帖，背着帖写，做到不看帖也能把帖上的字写出来，力求形神毕肖；核，就是将背写的字与帖上的字进行核对。看有否差错，要善于发现自己的不足，从而改正缺点；用，就是实践，把学了的东西，用到实际生活中去，在实践中来巩固和提高所学的东西。 最后，在已临摹好了一种字帖后，还应象蜜蜂采百花酿佳蜜一样博采众长地再临一些其它字帖。当然，学写字帖也最忌见异思迁，今天摹这本帖，明天临那本帖，象走马灯似的轮换着书写，这样，是写不好字的，初学钢笔行书者务必注意。“涂鸦”一词，原是唐朝卢仝说其儿子乱写乱画顽皮之行，典故出自《玉川子集．云添丁》： 卢仝有个儿子叫添丁，喜欢乱涂乱写，常把卢仝的书册弄得又脏又乱。卢仝因此写了一首诗：“忽来案上翻墨汁，涂抹诗书如老鸦。”把儿子的顽皮和自己的无奈描写得唯妙唯肖。 后来，人们便从卢仝的诗句里得出“涂鸦”一词，流传至今。 Graffiti：我们俗称的涂鸦，也有希腊文的 “Graphein”。 最为认同的说法是graffiti起源于1966年美国的费城和宾夕法尼亚州(Pennsylvania)。开始时， graffiti没有piece的概念， 只是简单的写tag等， 而这些graffiti writers(涂鸦者)的tag除了是自己的绰号还有自家门牌号之类，直到后期1971- 1974， 越来越多的writers开始在字型, 效果等上钻研 80年代, writers在车上, 火车等不同表面上做graffiti, 墙不再是唯一介质了。一直发展到现在, writers有更多方法和途径。让人们认识他(她), Video Graf, cyber space等等…… 涂鸦艺术和嘻哈音乐一样都起源于纽约的布朗克斯区，布朗克斯(Bronx)是唯一一个和美国本土连在一起的街区，也是纽约最穷的街区。自上个世纪60年代开始，这里就被黑人和来自中北美洲的拉丁裔居民所占领。他们住在政府修建的设备简陋的贫民公寓里，外面是破败的街道和荒芜的杂草。 多年的贫穷生活使得黑人青少年极度崇拜金钱，当职业运动员是他们迅速致富的一条捷径。那段时间布朗克斯区内不多的几块篮球场上经常可以看见一群群光着膀子的黑人小伙子在打篮球，许多人脖子上都带着指头粗的金项链。对金钱的崇拜使得当众炫耀财富成为布朗克斯区的一种时尚。当然也就有很多青少年做起了做起贩毒、老鸨等违法的行当。 做这些违法的事情很有可能被警察抓住，或被街头小混混盯上。因此这些人纷纷组织起帮会来保护自己。一时间布朗克斯涌现出无数黑社会组织，什么“原始骷髅”、“野蛮浪人”、“标枪队”、“皇家巫师”、“七皇冠”等等，不一而足。当时很多年轻人为了寻找一种归属感而加入到各种帮派中。在他们天真的想象中，帮派就像是李小龙**里描写的那样，一伙人团结起来和对手打架，并在打架的过程中建立永恒的友谊。 那段时间整个布朗克斯到处可见涂写得歪歪扭扭的帮派符号，混杂着“厕所文学”似的猥亵图案。美国报纸形容布朗克斯“就像一个原始人聚居地”。难怪有人会把涂鸦和原始人联系在一起，因为人类最早的文字和绘画就是刻在墙上的，那些壁画是史前人类留下的唯一的文明记录。可随着纸张的出现，壁画反倒成了不开化的标志。尤其是当城市出现后，现代人似乎已经习惯了建筑物光洁的表面，任何图案都成了一种破坏，一种反文明的精神污染。 如果布朗克斯的壁画永远停留在帮派标签的时代，那后人恐怕也就没什么好说的了。可是，几个有绘画天赋的人出于对简陋的帮派标签的不满，开始自己设计新标签，从此，这些帮派符号变得好看起来。再后来，一批富有造反精神的非帮派画家终于意识到，墙是世界上最便宜、最实用的画布，他们开始行动了。从此，一种新的艺术形式——“涂鸦”(Graffiti)诞生了。 涂鸦真正意义上的涂鸦艺术家大多数都和帮派无关，他们都是来自底层的穷人，喷漆罐和颜料都是从商店里偷来的。他们都是一些有想法的人，从此纽约的墙上出现了警世格言。他们都是一些有才华的人，许多绘画方面的新鲜笔法(尤其是美术字体)由此出现。更重要的是，他们都是一群极富表达欲望的人，他们没有报酬，心甘情愿地常年出没在纽约的黑夜里，为的只是让行人看一眼自己的作品。为了和帮派的“贴标签者”，以及头脑简单的涂鸦者划清界限，他们把自己叫做“作家”(Writer)，而不是“画家”(Painter)。 为了不让警察抓住，也为了给自己的作品增添一种神秘的色彩，这些“作家”都给自己设计了一个签名。他们的签名大都是一个简单的单词，加一个数字后缀。第一个被报纸提及的“作家”名叫“Taki 183”，那篇文章出现在1971年的《纽约时报》上。主角真名叫做德米特利斯(Demitrius)，Taki是德米特利斯的希腊文简称，183是他居住的街道的名字。那篇报道是第一篇比较严肃的讨论涂鸦文化的文章。 很快，涂鸦者们就不满足于静止不动的墙了，他们打起了地铁车厢的主意。纽约有着世界上最发达的地铁系统，铁轨像街道一样遍及整个纽约市。那时，上早班的纽约居民经常会惊讶地发现，昨晚还好好的地铁车厢突然变成了一个流动的涂鸦展览会，上面画满了五颜六色的图案。那些字母都好像是一个个气泡，充满了动感。最绝的是，换了一趟车，居然还是一样的图案！于是，他们记住了一个签名：Phase 2。 这个Phase 2是70年代初期最有名的涂鸦画家，他原名叫隆尼伍德(Lonny Wood)，毕业于布朗克斯区克林顿中学。这个中学曾是早期涂鸦画家开会的地方，离这里不远就是纽约交通局的停车场，报废的地铁车厢就囤积在那里。因此那个停车场成了他们练手的地方。伍德是个黑人，极富才华。他创造的“气泡字母”是布朗克斯涂鸦风格的最佳代表，被誉为是涂鸦界的迈尔斯戴维斯(Miles Davis，著名的爵士小号手)。 继Phase 2之后，纽约的涂鸦又经历了多次风格转变，出现了三维字母，列车动画(一系列人物动画，地铁列车开起来之后人物就活动起来)等一系列新创意。一批有才华的涂鸦画家成了明星，比如SUPER KOOL 223、El Marko174、Staff 161、Cliff 159、Flint 707等等。当时的纽约市长林赛对此采取了睁一只眼闭一只眼的态度，因为混乱的纽约市有许多远比涂鸦更重要的事情等着他处理。市政府的放任自流是涂鸦，乃至整个嘻哈文化得以发展壮大的重要原因。 纽约的所谓“上流”艺术家多次试图把涂鸦据为己有。几个画商曾经于1973年在曼哈顿的SoHo区举办过一次大型涂鸦画展，吸引了众多媒体的关注。他们让涂鸦画家把作品画在画布上，放在展厅内标价出售。结果可想而知，展览遭到了评论家们的蔑视。那几个画商忽略了这样一个事实：只有那些画在公寓的墙上或者地铁车厢外的作品才是真正的涂鸦。 后来，一个名叫福莱迪(Freddie)的人把一批涂鸦画家组织起来，到位于纽约下城的朋克摇滚俱乐部里进行推销，获得了一定的成功。他手下的一个名叫萨莫(Samo)的涂鸦画家以其出色的技巧和个人魅力赢得了很大的知名度。这个出身布鲁克林区的画家真名叫做让-米歇尔巴斯奎(Jean-Michel Basquiat)，此人无论是在涂鸦领域，还是在画布上作画，以及后来的立体雕塑，都取得了傲人的成绩。更重要的是，他本人一直过着波西米亚式的生活，是一个活着的涂鸦作品。一部以他为背景的记录片《纽约垮掉派**》(New York Beat Movie)真实地记录了他一天的生活，为后人留下了宝贵的资料。可惜的是1988年巴斯奎死于吸毒过量。后人经常把他同摇滚界的元老，吉米亨德理克斯相比。 经过这一次短暂的复兴之后，涂鸦便在美国销声匿迹了。政府日趋严格的管理让涂鸦者们心惊胆战，广告商们对涂鸦技巧的模仿则让涂鸦者们彻底失去了动力。但是，在世界其它一些管理松懈的城市，涂鸦至今方兴未艾。1989年的那次实况转播让许多人第一次欣赏了柏林墙上的涂鸦杰作。无论是欧洲的马德里还是南美的布宜诺斯艾利斯，直到今天仍能在大街上和地铁站里见到涂鸦家们的作品。 北京街头的涂鸦 1996年左右，随着HIP-HOP热潮的涌入，涂鸦作为街头文化的一部分，开始出现在北京。最初的一批涂鸦者，在大拆大建的北京胡同里找到了自己宣泄的出口，而随着城市的发展，涂鸦也逐渐艺术化和商业化，它不仅见证着这个城市的变迁，也在成为北京这样的城市建筑中一道新的风景。北京最主要的涂鸦集中地有以下几个： 北京涂鸦墙的涂鸦北京涂鸦墙，位于北京市海淀区人民大学南路，长730米，平均高25米。作为涂鸦墙的历史由来已久，几乎都是学生们的作品。2005年11月，在距离2008年奥运开幕1000天之际，由近400名志愿者参与，在此创作了“奥运向我们走来”主题，由此被命名为“北京之墙”，也由此成为目前国内最长的一段涂鸦艺术墙。 朝阳区樱花东街，中医药大学北门与服装学院南门之间。这里的涂鸦大都由附近两个学校的学生，尤其是外国留学生所创作，规模颇为宏大。 五道口，城铁站以北东侧。这一带的涂鸦大都由居住在附近的留学生所作，风格奔放、非主流。随着市容美化进程，这里的涂鸦绝大部分已经消失。798工厂的涂鸦 798工厂，这里是北京周边和北京以外艺术家的集聚地，涂鸦成为了众多艺术表现形式中的一种，也成为了众多艺术展品中的一员。这里的涂鸦风格多样，更新很快，且经常与其它艺术形式搭配在一起展示。 苹果社区博客墙，位于朝阳区百子湾路今日美术馆外。这里的涂鸦集中在一堵长约200米的建筑工地外围墙上，颜色鲜艳风格多变，与苹果社区前卫、艺术的总体设计相得益彰。但随着工地施工的结束，这片涂鸦估计会在不久之后消失。 中国传媒大学广告学院，涂鸦与学校布告栏混在一处，堪称是这里涂鸦的最大特点。 涂鸦的术语有： WRITER：涂鸦者 ALL-CITY：当涂鸦者或者涂鸦团将这个城市的主要地铁线路都涂过时，称为ALL CITY。 BENCH：涂鸦者聚集地，一般是指采点的地方。BENCHING：采点。 BITE：抄袭其他涂鸦者的视觉特色或制作风格（很不礼貌的行为哦！！） BOMB：就是去涂鸦了！！ BUFF：最令涂鸦者气愤的事：清除涂鸦！！也有用于形容当另一个图案覆盖过前一个涂鸦的情况 BURN：与其他涂鸦者竞争，比谁的作品好。相近的词是style wars BURNER：指那些超劲的作品，一般是WILD STYLE的。 CAPS：涂鸦专用喷头，有fatskinnyGerman thin三种 MONTANA：世界上最好的涂鸦专用喷7 CREW：团队 CROSSING OUT：涂改或覆盖某人的名字。 DESIGNS：在底色上加上如闪光或彩斑之类的小花样就叫做， DESIGN，好坏一般由作者的想象力和技术决定。 DOPE：称赞某人的作品。 FAMILIES：指碰到与别人THROW-UP的名字相同是的尴尬情况。 GETTING UP：你的名字涂在许多地方时，你的知名度就高了，着就叫GETTING UP。 GETTING OVER：后起之秀。 FILL-IN：上色。 HAND STYLE：一般指TAG的形式或手写风格。 HIT：指TAGthrow-up或一副作品。 OUTLINE：钩边。 FINAL OUTLINE：在上色和DESIGNS完成后，为了修整作品的轮廓，要再钩一次边。 PIECE：指一副完整的作品，MASTERPIECE的简称。 TAG：作者的昵称，签名。 THROW-UP：只钩边，不上色的简单涂鸦，或者上单色调，如白色。或叫T-UP，更简单些。 WILD STYLE：指一种涂鸦风格，这种风格较乱，字母之间互相串联，而且字型扭曲，色彩选用也很绚丽。做这种风格的作品要求作者有一定的想象力和技巧。 PRODUCTION：大型涂鸦，精细而且还有图案的，一般在高大的建筑物上。 WAK：不合格的涂鸦。 PIECE BOOK，BLACK BOOK：草图 3d：立体字风格，由涂鸦艺术家phase 2最先使用。 sgraffiti：另一种涂鸦手法。 style wars：henry chalfant and tony silver所拍摄的hip-pop纪录片的名称，也可以用来形容涂鸦者彼此竞赛、一争高下的状况。 top to bottom:整个物件从头到尾被涂鸦覆盖住，比如整面墙或者整辆车 fade：混合一种以上的颜色 def：很棒 涂鸦gang：帮派 gangsta:非常棒 going over：当一个涂鸦者将自己的图像覆盖过另一个人的时候 Back tO Back：一个同样的图案被反复喷绘在墙的正反面，直到覆盖住整个墙面 Battle：集体的涂鸦行动，涂鸦艺术家或团队之间的涂鸦竞赛 Beef：争议 Bite：抄袭其他涂鸦者的德视觉特色或制作风格 To bome：大量制作涂鸦 Burn：打击或击败竞争者 Caps：可替换的喷嘴，用于控制喷涂的粗细效果 Crew：形容涂鸦团队。一般来说，一人行动的涂鸦行为是比较孤单和危险的，因此有些涂鸦者组成团队，彼此帮助或一起出去喷制涂鸦作品 Def：很棒 Fade：混合一种以上的颜色 Gang：帮派，团队，或者共享意见和资源，拥有共同目的的群体 Gangsta：非常棒 Going ower： 当一个涂鸦者将自己的图像覆盖过另一个人的时候 Graffiti：涂鸦 Hip－pop：一种流行音乐风格，最初以黑人说唱风格为主，如今又融合了电子和迷幻风格，又极强的节奏感 Hit：去写，去画 Mad：疯 Muarl：壁画 New school：粗略的说法指1984年后的现代涂鸦风格 Old school：反之 Outline／Sketch：手稿画本上的图案，通常是指在执行真正的喷绘动作之前的草稿 Piece Book／Black Book／Writeris Bilbe：涂鸦者的手稿画本 Slash：在别人的涂鸦上绘制涂鸦，将原作品污损或覆盖 Stencils：一种非常古老的图像复制手法，利用图像和文字来传递信息 Tag：现代涂鸦的最基本形态，可以是用喷漆或者马克笔书写的涂鸦者的签名或代号 Toy：技术和经验还未成熟的涂鸦者 King：最牛的涂鸦画家 Bone out：离开透视 绘画法理论术语。“透视”一词原于拉丁文“perspclre”（看透）。最初研究透视是采取通过一块透明的平面去看景物的方法，将所见景物准确描画在这块平面上，即成该景物的透视图。后遂将在平面画幅上根据一定原理，用线条来显示物体的空间位置、轮廓和投影的科学称为透视学。 透视有三种:NO1 色彩透视 NO2 消逝透视 NO3 线透视 这是达芬奇总结的其中最常用到的是线透视透视学在绘画中占很大的比重,它的基本原理是,在画者和被画物体之间假想一面玻璃,固定住眼睛的位置(用一只眼睛看),连接物体的关键点与眼睛形成视线,再相交与假想的玻璃在玻璃上呈现的各个点的位置就是你要画的三维物体在二维平面上的点的位置这是西方古典绘画透视学的应用方法如《最后的晚餐》 中国画在的透视学应用: (1)多视点 中国画善于表现丰富的情节,西方绘画注重单视点(类似于摄影)中国画讲求的丰富情节用单视点是不能完成的因此,中国画用(类似于把摄象的多镜头分割再重新组合)多视点来表现如《清明上河图》 (2)高视高 采用微俯的视角表现,"远山即高"高山往往是画在远处的,其间再用云雾缭绕加以衔接表现一种人比山高的心情中国画是不采用近距离仰视来表现高山的 (2)远视距 中国画讲求"仗山尺树,寸马豆人"要求画中物体符合事物的正常比例,因此,画者必须采用远视距来表现 毕加索的作品打破了透视学的基本规律,把一个物体的正面反面,能看见的不能看见的全都表现在一个二维的空间中理解毕加索的画首先要抛弃透视学 现在的画家已经开始无视一切规则,尝试打破所有的规则但这些做法又在一个基本的哲学规则之中----打破一个旧的规则,创造新的规则 透视的基本术语 1，透视——通过一层透明的平面去研究后面物体的视觉科学。“透视”一词来源于拉丁文“Perspclre"（看透），故有人解释为”透而视之“。 2，透视图——将看到的或设想的物体、人物等，依照透视规律在某和媒介物上表现出来，所得到的图叫透视图。 3，视点——人眼睛所在的地方。标识为S。（EYE POINT） 4，视平线——与人眼等高的一条水平线HL。（HORIZOUTAL LINE） 5，视线——视点与物体任何部位的假象连线。（LINE OE SIGHT） 6，视角——视点与任意两条视线之间的夹角。（VISUAL ANGLE） 7，视域——眼睛所能看到的空间范围。 8，视锥——视点与无数条实现构成的圆锥体。（VISUAL CONE） 9，中视线——视锥的中心轴。又称中视点。（LINE OE VISUAL CENTER） 10，站点——观者所站的位置。又称停点。标识为G。（STANDING POINT） 11，视距——视点到心点的 垂直距离。 12，距点——将视距的长度反映在视平线上心点的左右两边所得的两个点。标识为d。（DISTANCE POINT） 13，余点——在视平线上，除心点距点外，其他的点统称余点。标识为V。（COMPLEMENT POINT） 14，天点——视平线上方消失的点。标识为T。（TOP—VANISHIUG） 15，地点——视平线下方消失的点。标识为U。（BOTTOM—VANISHIUG） 16，灭点——透视点的消失点。 17，测点——用来测量成角物体透视深度的点。标识为M。（MEASURING POINT） 18，画面——画家或设计师用来变现物体的媒介面，一般垂直于地面平行于观者。标识为PP（PICTURE PLANE） 19，基面——景物的放置平面。一般指地面。标识为GP（GROUND PLANE） 20，画面线——画面与地面脱离后留在地面上的线。标识为PL。（PICTURE LINE） 21，原线——与画面平行的线。在透视图中保持原方向，无消失。 22，变线——与画面不平行的线。在透视图中有消失。 23，视高——从视平线到基面的垂直距离。标识为h（VISUAL HIGH） 24，平面图——物体在平面上形成的痕迹。标识为N（PLAN） 25，迹点——平面图引向基面的交点。标识为TP（TRACK POINT ） 26，影灭点——正面自然光照射，阴影向后的消失点。标识为VS（VANISHING OF SHADOW） 27，光灭点——影灭点向下垂直于触影面的点。标识为VL（VANISHING OF LIGHT） 28，顶点——物体的顶端。标识为BP（BASE POINT） 29，影迹点——确定阴影长度的点。标识为SP（SHADOW POINT） 在美术种透视的出现的时期是在文艺复兴时期，由达．芬奇发现并对其进行研究,发展之后就传承下来了列宾美院留学费用　　临摹的意义，可能已经无需多言，因为这是一般性的道理，然而，并不因为其道理的普遍性而能够获得广泛的现实意义，相反，临摹的重要性在当下已经显得越来越不重要。虽然美术院校中还有临摹的课程，可是，相对于写生，临摹的重要性还是要弱化许多。尽管在许多大博物馆中，人们还可以看到一些画家在临摹名作，但给人的感觉却是非常的古典，好像是在看古装戏一样，因为它离现实以及现实的要求好像是很远很远。因此，即使仍然是绘画形态的的当代艺术，具体的色彩、空间、笔触、形式等绘画语言也不是考量的主要指标。所以，在中国，一些当代艺术家在“功成名就”、尤其是获得市场的支持之后，就再也不需要自己亲自动笔，绘画成了他们设计出来的具有商标的产品，利用助手的工厂化批量生产消解了艺术家对语言的那种精妙的把握，而只有通过动手才能获得的绘画的乐趣也就荡然无存了。　　时代的变化，决定了社会对绘画的看法。现代社会的特点决定了以精致的语言和精湛的表现为特色的绘画传统，已经失去了现实中的观众，而人们对于与现实生活相关的审美，对于有学养的把握那些精致的语言和精湛的表现，已经失去了耐心。然而，人们没有普遍地失去对它的好感以及应有的敬重，因此，博物馆中依然是人头攒动，这不仅与现实中的艺术主流形成了巨大的反差，而且也产生了很大的矛盾。其根本是，人们更多的是以一种怀旧的心态去审视这些博物馆的艺术，而给与当下的艺术以一种全新的要求，这就形成了博物馆的艺术与现实的艺术之间的全然的不同，绘画的衰微也就难以避免。所以，临摹也就逐渐失去了它的现实意义。　　中国的情况有所不同，依附于教育而扩容的绘画队伍是一个庞大的群体，因此，有人看到的是发展和繁荣，而非衰微。可是，在技术领域中，在精神层面上，当代中国绘画所表现出来的衰微的现象，却是表面繁荣的阴影所在。如果抛开精神问题不谈，技术上的提高，可以有多种手段，临摹即是其中之一。临摹有多种方法，有不同的要求；临摹因人而异，因目标而不同。临摹作为夯实基础的寂寞之道，需要刻苦和耐心，因此，前几代画家将敦煌、永乐宫作为必去的基地，饮风沙，舔冰水，面壁临摹，其意义反映在20世纪中国绘画史的成就之中。临摹几乎是进入艺术盛宴的一道前菜，因此，临摹也就成了他们的一种绘画观念。可是，当老师在洞窟中临摹，学生在洞窟外逗狗，因临摹产生的代沟反映到当代绘画的整体面貌之中，不仅是艺术的观念发生了根本的变化，学习艺术的态度和方法，也有了相应的不同。当下，如果要挽救绘画，重提临摹，重新激发人们对精致的语言和精湛的表现的兴趣，给与刻苦耐劳的传承以应有的尊重，应该是措施之一。　　所以，我希望这位同学能够正确对待临摹！清华美院校考专业分别多少分其他信息：无论是在国内上学还是出国留学，我相信大家最关心的都是学费问题。尤其是艺术生，相比普通的学费要高很多。家庭条件不好的孩子上一所好学校，给父母的负担是非常重的。不过在这样的情况下，父母也不能亏待了孩子的教育。那么在这样的情况下，孩子如何出去留学呢其实很简单，现在 列宾美术学院学费 并不是那么高，而且很多美术留学条件门槛也很低。在这个时候给孩子选择列宾美术学院是非常明智的，感兴趣的同学跟我一起往下了解一下列宾美术学院学费的相关介绍吧。 一、列宾美术学院学费： 预科： 5000欧元(1年) 本科：(第1-2年)5000美元 (第3-4年)6000美元; 硕士：(第1-2年)5000美元 (第3-6年)6000美元; 博士及大师班：7000美元; 普通进修： 4000美元 艺术鉴赏系：(第1-2年)3500美元 (第3-6年)4000美元; 住宿：学校为学生提供2-3人一间的房间，每月每人100美元。 医疗保险：90美元。 二、列宾美术学院入学条件： 1、美术专业中等学历，高中艺术特长生，掌握一定的艺术基础知识，或国内的大学毕业生。 2、考生需递交自己的作品。申请人的入学水平是由其作品决定的，即由其提供的作品来决定该生是由预备系开始读起，还是可直接插入大学或硕士的哪一年级读起。作品的形式不限，原作、照片、幻灯片都可以。 3、申请时需要提供护照及至少5幅作品(人体肖像 静物 油画 裸体 肖像素描) 三、列宾美术学院学校实力： 1 学院位于俄罗斯第二大城市圣彼得堡美丽的涅瓦河畔，与 圣彼得堡国立大学 校区平行;列宾美术学院在世界上久负盛名，他与法国巴黎中央美术学院，英国伦敦皇家美术学院，德国柏林艺术大学等3大美术学院并称“世界4大美术学院”，学院以油画专业在世界美术届内占据不败之地。 2 学院的教学内容以教育计划和科目所确定。在实施这些计划的过程中，以教授指导和个人工作室为主。这些教授大部分是有名的美术家，大多数是美术科学院的院士和通讯院士。美术学院为学生营造了独一无二的学习环境，包括工作室，教室，博物馆里的实际操作练习，授课，讲习班和课堂讨论;学习临摹和绘画创作;教师辅导和学生独立工作;实验室工作，年级设计和毕业创作。 3 学院文凭知名度，含金量高; 4 在国内乃至石阶上享有很高盛名，我国中央美术学院常年派教授定期去学院见习。 列宾美术学院学费相比其他的艺术学校，费用要低很多，如果你也喜欢美术，可以申请列宾美院，不论从专业技术讲，还是综合实力来讲，列宾美院都是世界排名靠前的艺术院校，同学们可以提高自身的准也水平来看自己是否符合申请该校的条件，其次再来看资金情况，不要盲目的从众，要慎重选择。 美院备考课堂临摹范本：色彩静物内容简介清华大学美术学院的校考专业评分标准与其他院校存在显著差异。对于清华美院而言，素描、色彩（静物）、速写三项考试的满分均为250分，合计750分。这一分数设置与全国高考总分相匹配。相比之下，其他院校的校考通常与本省美术联考保持一致，素描部分满分120分，色彩（静物）满分120分，速写满分60分，总分为300分。这种差异反映了清华大学美术学院对专业技能要求的严格标准。清华美院的评分制度旨在全面评估考生在素描、色彩和速写方面的综合能力。每项考试的具体评分标准，例如素描的线条表现、色彩（静物）的色彩搭配和明暗关系、速写的动态捕捉和构图能力，都是评分的重要依据。同时，评分标准还考虑了考生的创作过程和最终作品的质量。这一评分机制确保了考生的专业技能能够得到公正、全面的评价。在实际考试过程中，考生需要在规定的时间内完成各项考试内容。素描考试一般要求考生在2-3小时内完成一幅完整的素描作品，色彩（静物）考试则要求考生在2-3小时内完成一幅色彩搭配丰富、明暗关系准确的作品，速写考试则要求考生在1-2小时内完成多幅动态捕捉和构图能力展示的作品。这些考试环节不仅考验考生的专业技能，还考察其时间管理能力和应变能力。为了适应这一评分制度，考生在备考过程中需要注重各方面的练习和提高。除了基础的技能训练，还需要进行大量的临摹和创作实践，以提升自己的创作水平和应试技巧。此外，考生还需要关注考试的评分标准，理解评分机制，以便在考试中更好地发挥自己的水平。总的来说，清华美院的校考评分制度体现了其对考生专业技能的严格要求和全面评估。考生需要在备考过程中全面提升自己的专业技能和应试能力，以应对这一评分制度的挑战。对于准备艺术类院校招生考试的学生们，备考压力和紧张情绪常常笼罩。家长们也可能感到无助，对于如何应对这样的考试缺乏明确的指导。作为教育工作者，我们深知这种挑战。实际上，尽管各类艺术考试题目繁复多样，但其核心要求和目标是统一的。考生们可以根据自身的优劣势，有针对性地进行准备，比如强化自己的强项，有策略地弥补弱点。关键在于，备考期间要把握绘画的基本原则，不断练习，让这些技巧成为自然而然的习惯。在考试中，只要能发挥出平时的水平，就能收获满意的成绩。我们提供的考生范本作品并非尽善尽美，但它们可以作为参考，帮助你理解考试的期望。只要你能接近书中同龄人相近的水平，那么，考上理想的美术院校就不再是遥不可及的目标。